Die Geister von „Good Bones“ und „Yellow Face“ am Broadway

In James Ijames’ hervorragendem Stück stehen vier sehr gute Schauspieler auf der Bühne: Gute Knochen (Öffentliches Theater, bis 27. Okt.)– aber der Star der Show ist die Küche, die sich dem Publikum hinter Schutzfolien nach und nach offenbart. Es ist das sanfte graue, schlichte, erstickend schicke Herzstück einer Hausrenovierung eines wohlhabenden schwarzen Paares, Aisha (Das sind wir‘ Susan Kelechi Watson) und Travis (Mamoudou Athie).

Diese Renovierung wird effizient von dem schwarzen Bauunternehmer Earl (Khris Davis) geleitet, der bald eine Verbindung zu Aisha aufbaut, da sie im selben Wohnprojekt aufgewachsen sind. Später wird seine Schwester Carmen (Téa Guarino) sich ihm anschließen, um den letzten Teil des Gemäldes fertigzustellen und Ijames’ nachdenklichem, provokantem Schreiben eine weitere Perspektive hinzuzufügen.

Weniger laut als Ijames‘ Fetter Schinkendas den Pulitzer-Preis für Drama gewann und vom Public Theater an den Broadway gelangte, Gute Knochen bietet Meditationen über Reichtum, Klasse, Identität und Zugehörigkeit, begleitet vom Klang eines unruhigen Geistes. In beiden Fetter Schinken Und Gute Knochen Spannungen werden durch die selbstausdrucksstarken Freuden des Tanzes ausgeglichen.

Was wie eine schöne Verbindung zu einer gemeinsamen Vergangenheit zwischen Earl und Aisha aussieht, wird komplexer und brisanter, als sich herausstellt, dass Aisha dabei hilft, eine große Gentrifizierungsentwicklung – eine Sportarena – in der Gegend voranzutreiben. Das schöne Haus, in dem Aisha und Travis leben, und das Restaurant, in dem Travis Koch ist, sind weitere Beispiele einer solchen Gentrifizierung, aber Earl ist unruhig – und schließlich wütend – über Aishas mangelnde Sensibilität für die Veränderung, für die sie verantwortlich ist, den Umbruch auf das Leben der Menschen, und das Ausfransen gemeinschaftlicher Bindungen und der Geschichte, die unversöhnliche Unzugänglichkeit, die glänzende neue Gebäude ankündigen.

Aisha bringt ein gegensätzliches und ebenso scharfsinniges Argument vor – dass die Vergangenheit nicht romantisiert werden sollte; dass sie in dieser Nachbarschaft gemobbt worden war, dass ihre Familie in verzweifelten Verhältnissen aufgewachsen war; dass Veränderung und Innovation einem Viertel, das es braucht, neues Leben einhauchen können. Travis möchte nur schlafen, aber die laute Musik draußen hält ihn davon ab – also ruft er eine Nummer an, die für die Bearbeitung von Lärmbeschwerden bereitgestellt wird. Dies führt zu mehr Konflikten.

Überall hören wir ein gespenstisches gurgelndes Lachen; Ein Spielzeug wird auf mysteriöse Weise die Treppe hinuntergeworfen. Wir wissen, dass Earl als kleiner Junge dort gespielt hat, als es noch einem geliebten Lehrer gehörte. Ist es ihr Geist? Ist es ein fröhlicher Geist oder ein wütender? Ist es überhaupt ein Geist? Währenddessen werden die Renovierungsarbeiten langsam entfernt und geben den Blick auf die gesamte Küche von Maruti Evans frei, die Earl in all ihrer teuren Schlichtheit als symptomatisch für alles kritisiert, was an dem, was Aisha darstellt, nicht stimmt.

Joan Marcus

Dieser zentrale Glaubenskonflikt ist auch mit Humor gespickt. Travis scheint stets glücklich und voller Tatendrang zu sein – aber ist das ein Zeichen dafür, dass er aus Reichtum kommt? Earl ist vielleicht verärgert über Aishas mangelndes Engagement, legt aber auch großen Wert darauf, dass sie die teuersten Beschläge für die Möbel auswählt. Obwohl er am Ende des Projekts nicht an einer Dinnerparty bei Aisha und Travis teilnehmen möchte, ist Earl, wenn er dies tut, wieder glücklich, sich an der köstlichen gegrillten Ziege zu erfreuen, die Travis zubereitet hat.

Ijames und Regisseur Saheem Ali schaffen glaubwürdige Konfrontationen, in denen die Charaktere sich nicht nur gegenseitig die Möglichkeit geben, zu Wort zu kommen, sondern auch nicht so nuklear vorgehen, dass sie sich gegenseitig ablehnen, Türen zuschlagen und Drohungen murmeln, wenn die Dinge nicht so laufen, wie sie wollen . Auch die Bruchlinien innerhalb der Ehe von Aisha und Travis werden einfühlsam und nicht fatal nachgezeichnet. Die Fragen, mit denen Kelechi Watson und Athie sie beide gekonnt konfrontiert sehen: Wer sind sie, wo sind sie?

Das Stück vertritt weder die eine noch die andere Seite der Gentrifizierungsdebatte, aber es stellt auch keine beiden Seiten des Themas dar. Es bleibt im Charakter verwurzelt und seine Konflikte werden in gutem Glauben ausgetragen; Sein durchdringendes Ende ist im Kleinen ein Anstoß für uns alle, die Angst zurückzuweisen, unsere Türen und unseren Geist zu öffnen und, was am wichtigsten ist, voll und ganz in den Gemeinschaften zu leben, in denen wir leben.

Joan Marcus

In der Roundabout Theatre Company Produktion von Gelbes Gesicht am Broadway (Todd Haimes Theatre, bis 24. November)Daniel Dae Kim spielt „DHH“, ein Destillat des mehrfach preisgekrönten Dramatikers David Henry Hwang, dessen Stück eine witzige, vernichtende Analyse und Aufdeckung von Rassismus ist, wie er sich in der Besetzung weißer Schauspieler in asiatischen Rollen widerspiegelt.

Dieses Stück ist teilweise in der Realität verwurzelt, teilweise nicht. Hwang trug tatsächlich dazu bei, die Proteste im Jahr 1990 anzuführen, als bekannt gegeben wurde, dass Jonathan Pryce die eurasische Rolle des Ingenieurs übernehmen würde Fräulein Saigon am Broadway – und das Stück vermittelt sowohl, warum er sich so stark fühlte, als auch den persönlichen Umbruch, den man erleidet, wenn man zum Aushängeschild der Proteste wird.

Verloren Und Hawaii Five-O Star Kim spielt DHH als engagierte Fürsprecherin, die sich voll und ganz dem Kampf verschrieben hat, sich aber in dieser Position auch überfordert fühlt. Er würde seinen Witz lieber auf der Seite zum Ausdruck bringen, als in der Öffentlichkeit Plakate zu schwenken, aber das muss sein. Kevin del Aguila, Francis Jue, Marinda Anderson und Shannon Tyo zeichnen sich alle durch eine schwindelerregende Vielfalt an Charakteren unterschiedlichen Geschlechts und unterschiedlicher Hautfarbe aus, die Hwang entweder unterstützen oder gegen ihn sind.

Joan Marcus

Die andere Komponente von Gelbes Gesichtunter der Regie von Leigh Silverman, sieht Hwang – der vor dieser Kontroverse geschrieben hatte M. Schmetterling (ein Finalist für den Pulitzer-Preis für Drama 1989) – beschließt, sein eigenes Stück zu schreiben, Nennwertüber die Fräulein Saigon Kontroverse. Das wurde 1993 inszeniert.

Im Nennwert wir sehen dramatisiert in Gelbes Gesicht DHH engagiert einen Schauspieler namens Marcus G. Dahlman (Ryan Eggold), der für uns extrem weiß aussieht – wirklich absurd weiß –, von dem Hwang jedoch überzeugt ist, dass er tatsächlich Asiate ist. Die Komödie des Stücks – die sich eher wie eine Abfolge von Skizzen anfühlt – ist vom Frankenstein-Typ, denn Marcus wird zu seinem eigenen Monster, einem weißen Schauspieler, der über Rassengerechtigkeit und Verständnis predigt, obwohl er weiß ist.

Hwang sieht, wie der Rest von uns, völlig entnervt zu, wie Marcus – und Eggold spielt ihn als eine wirklich leere Leinwand – die asiatische Identität für seine eigenen Zwecke vereinnahmt. Es ist sowohl lustig als auch ärgerlich. Ein dritter Handlungsstrang über Hwangs Vater, einen Geschäftsskandal und was Hwang dafür hält New York TimesDie rassistisch begründete Berichterstattung über den Skandal ist weniger erfolgreich skizziert – als Marcus sich darauf einlässt, fühlt es sich wirklich gezwungen und durcheinander an – trotz einer angespannten und gut gespielten Konfrontation zwischen Hwang und einem Unbekannten im Mittelpunkt JETZT Reporter, gespielt mit steiniger Sicherheit von Greg Keller.

Das Ende des Stücks spiegelt das gerade Eröffnete wider McNeal mit Robert Downey Jr. in der Hauptrolle führt uns in das Gebiet der schlüpfrigen Autorenidentität – und in die Realität und Wahrheit der Stimmen und verschiedener realer und nun als Fake entlarvter Dramen, die wir gesehen haben.

Diese abschließende Kavallerie von Fallstricken schwächt die Wirkungskraft dessen, was vorhergegangen ist, etwas ab. Aber vielleicht die wahre Macht Gelbes Gesicht schlägt vor, dass Minderheitenstimmen nicht nur nüchterne Gegenargumente zur Bigotterie vorbringen, sondern – in Räumen wie einem Broadway-Theater – diese Widerlegungen mit respektlosem Humor und pointierter Prahlerei anbieten und dabei so frei wie möglich mit den Wahrnehmungen und Erwartungen des Publikums spielen.